“Prefiero llevar a escena textos que me permitan ‘encantar’, en un sentido casi mágico, al espectador”

Fernando Rodríguez Compare es un hombre de teatro en el más amplio sentido del término; actúa, escribe, dirige, lidera grupos y además es docente. Su incesante actividad le ha dado un reconocimiento a nivel nacional e internacional. Se presentó con su compañía Grupo Teatro Siglo XXI, en el XXIV Festival Iberoamericano de Teatro de Mar del Plata – Mujeres que cuentan – con Ibsen ha muerto o lo que le hubiera pasado a Nora y Fedra: fragmentos y ficciones. Para conocer más, lo entrevistamos para Cultura de La Mañana.

¿Se presentaron recientemente en la Sala Payró del Centro Provincial de las Artes Teatro Auditorium en el Festival Iberoamericano de Mar del Plata? ¿Qué significó esta presencia? ¿Habías participado en otros festivales?

A mediados de 2025 nos presentamos al llamado del Festival con dos de nuestros espectáculos, Ibsen ha muerto o lo que le hubiera pasado a Nora y Fedra: fragmentos y ficciones, y tuvimos la satisfacción de haber quedado seleccionados con ambos trabajos. El sábado 14 de marzo presentamos Ibsen ha muerto, y el domingo 15, Fedra: fragmentos y ficciones. A su vez, el Festival tiene una sub sede en la localidad bonaerense de Adrogué, donde también estuvimos el pasado 18 de marzo.

Para nosotros fue una gran responsabilidad estar representando al teatro uruguayo, en este caso, con dos obras que tocan la temática de la mujer y su lugar en la sociedad. En ambos casos, con personajes femeninos de gran peso como lo son Nora de Casa de muñecas y Elena de Espectros, textos de Henrik Ibsen, y una revisión del mito de Fedra, hecha por el dramaturgo español Guillermo Heras.

Participé como actor en festivales internacionales en Córdoba y Londrina con Casa de muñecas, en Osorno con Cuesta Debajo de Gabriela Fiore, y en varias ediciones del Festival Internacional de Teatro de Punta del Este

Fuiste cofundador del Grupo Teatral Ludens y ahora del Grupo Teatro Siglo XXI. ¿Cumplen todas las funciones o invitan colaboradores fuera del grupo?

En 1993, junto a varios egresados de la EMAD, dimos vida el Grupo Ludens e ingresamos a la Federación Uruguaya de Teatros Independientes (FUTI). Durante sus diez años de existencia, realizamos numerosos espectáculos e invitamos a destacados directores como Hugo Bardallo, Alicia Dogliotti y Estela Mieres. Fue en Ludens donde inicié mi labor como director, rol que mantengo hasta hoy, aunque sigo actuando en proyectos que me resultan estimulantes. En 2006 fundé el Grupo Teatral Siglo XXI, que sigue activo. En esta etapa optamos por un modelo más flexible: colaboradores permanentes e invitamos actores, actrices y diseñadores según cada propuesta. Desde su creación, el grupo ha estrenado más de veinte espectáculos, varios nominados a los Premios Florencio, de los cuales obtuvimos cuatro distinciones. Participamos en el Programa de Fortalecimiento de las Artes de la Intendencia de Montevideo, acercando teatro a numerosos barrios, y realizamos giras por el interior del país gracias a los Fondos Concursables del Ministerio de Educación y Cultura.

Tienes una prolífica carrera dentro del teatro. ¿Cuándo comenzó esta pasión? ¿En qué rol prefieres trabajar hoy?

Mi acercamiento al teatro fue casual. En los años 80, mientras planeaba cursar profesorado de Historia en el IPA, una amiga me invitó a un taller de teatro en la Biblioteca Batlle y Ordóñez, a cargo de la actriz Susana Triador. “El escenario te ayudará a pararte frente a un auditorio, como en una clase”, me dijo. Acepté y fue un camino de ida, descubrí que quería ser tanto docente como actor. Al terminar el IPA, ingresé a la EMAD tras aprobar el examen de admisión. Además de Susana Triador, mi principal impulsora, mis referentes de la EMAD incluyen a Alberto Candeau, Sergio Otermin, Nelly Goitiño, Levón, Mary Minetti, Mario Aguerre y Carlos Manuel Varela, entre otros. Actualmente me enfoco en la dirección, rol en el que me siento muy cómodo. Es un trabajo desafiante que me permite plasmar en escena los temas que me importan y me obliga a seguir formándome. Hace algunos años incursioné también en la dramaturgia, ya que hay asuntos que deseo investigar y que no siempre encuentro tratados en textos existentes. Es una tarea exigente, pero muy gratificante.

Además de la EMAD, ¿qué otra formación fue consolidando tu profesionalismo en lo teatral? ¿Cómo seleccionas los textos que vas a trabajar?

A lo largo de mis años de carrera he buscado constantemente ampliar mis conocimientos y perfeccionar mi práctica a través de diversos cursos, seminarios y talleres enfocados en temáticas que considero esenciales: dirección, técnicas de actuación, historia del teatro, ética del actor y creación colectiva. Además, participé en varios seminarios y talleres de la Maestría de Teatro de la UDELAR, aunque ese trayecto académico no lo culminé. Mi formación también se nutrió con cursos a distancia realizados en Argentina, Chile y México, lo que me permitió acercarme a miradas y metodologías diversas sobre el arte teatral.

A la hora de elegir los textos para trabajar, busco aquellos que permitan reflexionar y dialogar sobre hechos o situaciones que atraviesan la realidad actual. No me limito a un período o estilo particular: tanto los clásicos griegos como las propuestas contemporáneas pueden ser pertinentes, ya que cada obra requiere una re lectura desde nuestra perspectiva y contexto. Siempre procuro adaptar los textos para que dialoguen con nuestro público, lo que no significa alterar su esencia ni su mensaje, sino traducirlos a nuestra realidad. En aquellos casos en que no encuentro una obra que transmita lo que deseo expresar como artista, opto por escribir mi propio texto.

¿Vas armando la obra a medida que los actores improvisan o van ensayando sus personajes?

Siempre llego al primer ensayo con un plan de trabajo en el que establezco las líneas centrales de mi visión para el espectáculo. Me permite orientar al elenco y al equipo técnico sobre los objetivos y el enfoque que deseo imprimirle a la obra, marcando así una hoja de ruta clara para el proceso creativo.

A partir de ese momento, dedico un par de semanas a trabajos de investigación tanto en el plano actoral como en el de diseño. Este tiempo es fundamental para que, a través de ejercicios, lecturas y exploraciones en escena, se puedan descubrir matices y posibilidades que tal vez no estaban previstas de antemano. El equipo se involucra plenamente en este proceso, generando materiales que enriquecen la propuesta inicial.

Con los materiales que surgen de estos primeros encuentros, definimos la línea de trabajo definitiva que guiará los ensayos de la obra hasta su estreno. Esta línea no es rígida: siempre dejamos abierta la puerta a propuestas que vayan surgiendo a lo largo de los ensayos y consideremos que pueden aportar al espectáculo. Esa apertura permite que el proceso creativo se mantenga vivo, flexible y verdaderamente colaborativo.

Has presentado espectáculos en prestigiosas salas y en espacios no convencionales, en otras ciudades y en giras barriales. ¿Hay distintos públicos? ¿Por qué y para quién haces teatro?

Definitivamente, un artista crea para el público. Sin duda, existen diferentes tipos de públicos; esa es una realidad absoluta. En el circuito de salas teatrales de Montevideo se mueve un público que es habitué y que, por lo general, tiene una cultura de ver teatro que le permite seleccionar lo que quiere ver y dar sus opiniones, a veces incluso esperándonos al final del espectáculo. Esas opiniones, generalmente, son devoluciones sobre cómo se sintieron durante la función y lo que les provocó. En el caso de las funciones en teatros barriales o espacios alternativos como salones comunales o cooperativas de vivienda, por ejemplo, el público es aún más espontáneo y reacciona muchas veces durante la misma función, lo cual es realmente genial, porque es un indicativo de lo que están sintiendo.

¿Los incentivos y patrocinadores son imprescindibles más allá del borderó? ¿Se puede vivir del teatro?

A lo largo de la historia, el arte siempre ha necesitado de patrocinadores. En nuestro medio, salvo excepciones, los fondos municipales y ministeriales son imprescindibles en el caso de los grupos de teatro independiente, incluso en aquellos que están institucionalizados. Cuando se estrena un espectáculo, más allá del texto, el espacio donde se represente o el director y el elenco que lo lleven a cabo, nunca hay certezas. Las redes son hoy en día un elemento fundamental para la difusión y el intercambio de información, mucho más incluso que las entrevistas en televisión y radio. Aunque sigo comprobando que el boca a boca es la herramienta más efectiva y la que termina llevando más público a los espacios de representación.

En nuestro caso, algunos de nuestros espectáculos han tenido más repercusión que otros, como ocurre en todo grupo, pero destaco en particular Seis, Todos somos culpables de Federico Roca; El público de Federico García Lorca o Yo no duermo la siesta de Paula Marull como algunos de los trabajos con más público.

Con esta realidad, vivir del teatro, no digamos que es una utopía, pero sí es difícil tarea. En general, implica también dar clases de teatro, trabajar en más de un espectáculo a la vez, pero no siempre es suficiente.

Hablemos de docencia. ¿Qué experiencias has tenido durante tantos años?

Desde el año pasado estoy jubilado de mi tarea docente. Fueron 36 años de trabajo ininterrumpido que no me han dejado más que satisfacciones. Si bien la tarea docente puede ser extenuante y desgastante, también es enriquecedora. Con muchos de mis estudiantes sigo aún en contacto, generalmente a través de las redes, intercambiando experiencias de viajes, visitas a museos o asistencias al cine o al teatro e, incluso, actividades que desarrollan en diferentes formas del arte.

También eres docente de Artes I y III de la Licenciatura de Gestión Cultural y Economía Creativa del CLAEH y docente de Historia de la Percepción Artística e Historia Social del Teatro de la EMAD desde 2009. ¿Cómo has visto la evolución de ese estudiantado y de nuevas carreras?

Mi paso por la docencia a nivel terciario ha sido una tarea que he desempeñado con mucho entusiasmo. En el caso de la EMAD, porque sentí que de alguna manera estaba devolviendo a las nuevas generaciones parte de lo que había adquirido de mi pasaje por esa institución, más los años de experiencia y estudio sobre la historia del teatro y la historia del arte. Muchos de mis estudiantes, tanto de la carrera de Actuación como de Diseño Teatral, han trabajado y trabajan conmigo en mis espectáculos, lo cual cierra el círculo. Algo similar ocurre con aquellos estudiantes que cursaron mis clases en la Licenciatura del Claeh, varios de los cuales también se han integrado a algunos de mis trabajos desde la gestión cultural.

Creo firmemente que el desarrollo de carreras vinculadas con el arte, la gestión y la comunicación vino a llenar un vacío existente en esas áreas. Por otra parte, la posibilidad de acceder a información y bibliografía actualizada y especializada, así como la de poder acceder a cursos presenciales y en línea aquí y en el extranjero, han permitido un amplio desarrollo profesional en estas áreas.

Sobre Teatro en Museo, fuiste quien comenzó esta modalidad en el Museo de Historia Natural Dr. Carlos Torres de la Llosa. ¿Fue una innovación en su momento?

Teatro en Museo fue una verdadera innovación en la complementación académica en el marco de la educación secundaria, al permitir cruzar asignaturas como Biología, Zoología, Botánica, Antropología con Teatro. De la mano de la profesora Lucía Todone, se formó en 1999, el primer grupo de Teatro en Museo – experiencia iniciada en los Estados Unidos por la también profesora Tessa Bridal – experiencia por la que han pasado desde entonces, miles de estudiantes de educación secundaria, pero también de Primaria y de Formación Docente, donde se llevan a escena textos creados por los propios docentes integrantes del equipo, vinculadas a temas de interés educativo, a saber: la conservación de especies en peligro de extinción, el VIH, el calentamiento global, el tratamiento del agua, el acoso escolar, entre otros.

¿Cuáles son tus directores, actores, y autores preferidos?

A nivel nacional, admiro mucho los trabajos de dirección de María Dodera, así como de varios directores y directoras jóvenes que están mostrando un gran potencial creativo. A nivel internacional, Mauricio Kartum, Pompeyo Audivet, Paula y María Marull. Son muchos los actores y las actrices que admiro, y que por suerte he tenido la fortuna de poder trabajar con muchos de ellos.

Desde aquella versión de Baile de ilusiones de Sydney Pollack de 1969 hasta hoy, pasando por clásicos como Florencio Sánchez, Eurípides, Ibsen, Molière, García Lorca, ¿has mantenido estilos, métodos, estéticas? ¿Qué quiere ver la gente cuando va a un teatro?

Mucha agua ha pasado bajo el puente desde mi primera dirección teatral en 1995. Mi trabajo ha evolucionado, sin dudas. La misma experiencia que se adquiere en cada obra llevada a escena es un insumo que sirve en la siguiente creación. Sumado a esto, uno ha visto más teatro, ha leído más libros, ha trabajado con más artistas, todo lo que redunda en renovadas visiones del teatro que tengo ganas de hacer. He incursionado en aquellos rubros, estilos y autores que me han interesado. Creo que La cuarta pared se ha ido resquebrajando con el tiempo. No la considero importante. Por supuesto, siempre depende de la propuesta, pero me interesa traspasarla. Mis trabajos intentan ser auténticos, desafiantes; no me gusta subestimar al público. El público siempre es inteligente, y creo que, como artista, debo hacer que mi trabajo deje en ellos la necesidad de discutir sobre lo vivido, ya sea que les haya gustado o no.

Creo, a su vez, que hay público para todo tipo de espectáculos, pero yo prefiero llevar a escena aquel texto que me permita “encantar” —en un sentido casi mágico— al espectador. He comprobado que el público va al teatro a encontrarse con una ceremonia, en la cual sabe que un grupo de artistas le va a mentir, y ellos van a jugar que les van a creer por lo que dure la obra. Y esta experiencia de convivio no la tiene ninguna de las otras artes.

¿Cuáles han sido los principales desafíos que has debido afrontar? ¿Qué te gustaría abordar de acá en más y que no hayas hecho aún?

Creo que mi mayor desafío es el de haber podido desarrollar las actividades que descubrí que me gustan y me hacen feliz: el teatro y la docencia, y poder vivir de ellas. La docencia es ahora parte de mi pasado, no así el teatro con el que pienso seguir hasta cuando sienta que tenga cosas que decir. Me quedan muchos autores por trabajar, el más desafiante, Shakespeare, al que pronto encararé.

Este 2026 estaré llevando a escena un par de textos de mi autoría. Todo un desafío.

Cinco premios en Mar del Plata
Grupo Teatro Siglo XXI obtuvo cinco premios en el XXIV Festival Iberoamericano de Teatro de Mar del Plata Mujeres que cuentan: Ricardo Perdomo- Mejor actor co-protagónico por Fedra fragmentos y ficciones; Alessandra Moncalvo- Mejor actriz de comedia por Fedra fragmentos y ficciones; Sergio Lujan – mejor actor de comedia por Fedra fragmentos y ficciones; Rosa Simonelli- Mejor actriz de reparto por Fedra fragmentos y ficciones y Fedra fragmentos y ficciones– Mejor espectáculo de comedia.